Методика выполнения натюрморта

ВВЕДЕНИЕ
Темой методической разработки является натюрморт - один из видов изобразительного искусства. Натюрморт, как жанр живописи, можно назвать творческой лабораторией живописи, поскольку он является и составной частью, и пробным камнем станкового искусства. В нем максимально раскрываются пластические и колористические возможности живописца, выявляются особенности мышления. Его используют как учебную постановку, первичную стадию изучения натуры в период обучения. Профессиональный художник нередко обращается к натюрморту как к живописному этюду с натуры. Натюрморт, как не один из жанров живописи, представляет характеристику стольких возможностей для занятий формальными живописными исканиями.
Таким образом, актуальность темы методической работы заключается в необходимости расширения знаний о натюрморте у учащихся дополнительной предпрофессиональной общеобразовательной программы в области изобразительного искусства «Живопись», для улучшения качества преподавания в современном образовательном процессе данного жанра искусства, обоснования его значения для формирования творческой личности человека.
При выполнении данной работы я ставила для себя цель: определить теоретические основы и практические возможности выполнения натюрморта в технике акварели. Решение в методической работе проблемы и является целью исследования.
Объектом исследования является натюрморт как жанр изобразительного искусства.
Предметом исследования являются возможности акварельных техник живописи, способствующие созданию выразительного образа натюрморта.
Гипотезой исследования является предположение о том, что работа над натюрмортом акварелью может вестись успешно при условии, если соблюдаются все необходимые этапы, применяются художественно-технологические знания и умения.
В соответствии с объектом, предметом, целью и гипотезой определены следующие задачи исследования:
1) осуществить теоретический анализ изучаемой проблемы в искусствоведческой литературе;
2) практически реализовать возможности живописи в акварельных техниках;
3) обосновать и отобрать содержание, адекватные средства художественной выразительности для воплощения художественно-творческой работы;
В исследовании были использованы следующие методы педагогического исследования: анализ научно-педагогической и научно-технической литературы, обобщение личных художественных навыков и опыта работы в качестве преподавателя ДШИ.
Практическая значимость работы заключается в том, что преподаватели ДШИ и ДХШ Красноармейского района смогут использовать разработанные методические рекомендации по ведению поэтапной работы над натюрмортом, включающие различные техники акварельной живописи.В изобразительном искусстве натюрморт – ( от франц.) nature morte – «мертвая природа» принято называть изображение неодушевленных предметов, объединенных в единую композиционную группу. Натюрморт может иметь как самостоятельно значение, так и быть составной частью композиции жанровой картины или портрета.
В отдельных случаях натюрморт приобретает настолько важное значение, что становится своеобразным композиционным центром картины.
В зависимости от задач, которые решает художник, меняется роль и место натюрморта в композиции.
Воздействие натюрморта на зрителя происходит по линии ассоциативных представлений и мыслей, возникающих при рассмотрении изобразительных предметов.
Таким образом, объединенные доступными средствами композиции вещи слагаются в изображении, в эмоционально насыщенный образ.
Художники, обращаются к натюрмортам как к средству характеристики создаваемого образа и при работе над портретом. В сюжетно - тематических картинах натюрморт имеет хотя и важное, но все же подчиненное значение.
Как самостоятельный жанр искусства натюрморт обладает большими изобразительными воздействиями. В нем показывается не только внешняя материальная сущность предметов. Вместе с конкретным изображением вещей в натюрморте в образной форме могут быть переданы существенные стороны жизни, отражаться эпоха, важные исторические события.
В лучших своих проявлениях он становится действенным средством идейного и эстетического восприятия людей, формируя их вкусы, понятия, представления.
Другое назначение натюрморта – служить своеобразной творческой лабораторией, где художник ставит и решает различные профессиональные задачи, совершенствует мастерство.
Своеобразие работы над натюрмортом состоит в том, что его сложно ставить и писать в различных условиях; в помещении при дневном и искусственном освещении, на открытом воздухе.
Богат и значителен реалистический опыт, накопленный в жанре натюрморта, воздействующего на зрителя в результате ассоциативных чувств, представлений и мыслей, возникающих при восприятии правдиво изображенных предметов натуры. Достоверное изображение предметов, передача их красоты, неповторимых живописных качеств - основное условие создания полноценного художественного образа в этом жанре.
Искусство натюрморта имеет свою историю свои традиции. Оно знает периоды расцвета и периоды спада. Его развитие тесно связано с общим поступательным движением изобразительного искусства. Большое влияние на него оказывали крупнейшие мастера живописи. Это влияние шло по линии общего воздействия на характер и стилевые особенности натюрморта.
Искусство натюрморта как жанр возникло в Голландии вначале XVIII в. Знаменитые голландские натюрморты передают радость быта: рассматривая их, кажется, ощущаешь вкус реальных плодов, напитков. Художники изображали самые обычные вещи, но это было красиво и поэтично. Одни любили натюрморты скромные, другие писали на огромных холстах.
Наиболее распространенным и популярным натюрморт был в голландском искусстве на рубеже XVI – XVII в., где он достиг своего наивысшего расцвета в творчестве таких художников, как П. Клас, Г. Виллем, А. Бейерен, И. Фейт(прил.рис.1.1), произведения которых украшают многие крупнейшие музеи мира. Творчество этих мастеров развивалось под благотворительным влиянием искусства эпохи Возрождения.
Методы и приемы изображения, разрабатываемые в жанре сюжетно-тематической картины, портрета, переносились в область натюрморта. Именно здесь вырабатывается основной тип натюрморта с четким трехплановым членением пространства, с ясно выраженным композиционным центром.
По классической схеме построения центр композиции картины помещается на среднем плане; передний план заполняется дополнительными мелкими предметами, служащими вводом в изображение. Роль третьего плана выполняет фон, который надлежало писать в виде нейтрального пространства.
Разрабатываемые в голландском искусстве художественные принципы во многом предопредели дальнейшее развитие натюрморта. Его основными качествами были: реализм, тонкость наблюдения жизни, умение подметить и передать эстетическую ценность.
Для создания своих произведений художники избирали предметы, используемые в повседневном быту, однако составляли их с большим вкусом, стремясь достичь гармонии и изящества всей группы.
Излюбленными мотивами изображения у голландских мастеров были «завтраки» с небольшим набором предметов. С большим мастерством и изяществом передавался материал предметов - стекло, металл, керамика. В проработке формы использовались приемы многослойной живописи- прописи, лессировки, позволяющие добиваться предметной убедительности изображения.
Другой важной особенностью голландского натюрморта следует считать то, что художники сумели наполнить его смысловым содержанием. В любом натюрморте этих мастеров раскрывается неразрывная связь человека с окружающим миром. Во всем этом проявляется здоровое оптимистическое восприятие жизни, искреннее желание показать, как щедра природа, как трудолюбив и талантлив человек.
Наиболее полно это радостное ощущение жизни проявилось в творчестве Ф. Снейдерса. Он пишет большие монументальные полотна, предназначенные для парадных дворцовых помещений. Широко известны его картины «Рыбная», «Фруктовая», «Овощная» (прил.рис.1.2). Строгая продуманность композиции в работах художника сочетается с декоративностью живописи, насыщенностью колорита. Это уже не скромные «завтраки», которые пишут А. Бейерен или П. Класс, а произведения, созданные воображением и фантазией художника. Так же, как и в других картинах голландских художников, в натюрмортах Снейдера большое внимание уделено проработке рисунка и передаче материальности предмета. Однако при тщательности проработки формы он не утрачивает цельность художественного образа. До сих пор натюрморты Снейдерса радуют нас реалистичным изображением.
В XVII в. Складываются главные черты натюрмортного жанра. В нем работают такие видные мастера живописи, как Рембрант, Сурбаран, Переда. Всех их объединяет общее стремление - показать гармонию мира вещей, окружающих человека, красоту их форм и материала. Сформулированные в практической деятельности художников задачи искусства натюрморта существовали и в дальнейшем, но решение их не повторяло прошлого опыта, а осуществлялось новыми средствами в соответствии с новыми требованиями времени.
Значительный вклад в развитие натюрморта внес французский художник XVII в Ж.-Б. Шарден, вошедший в историю мировой живописи как мастер бытовой жанровой картины. Свои натюрморты он пишет с предметов скромного домашнего обихода, привнося в них большую одухотворенность и простоту композиции. Замечательными образцами этого типа натюрморта являются «Медный бак», « Натюрморт с коробкой, трубкой и кувшином».
Простота и классическая ясность композиции отличает и натюрморты, объединенные под общим названием «Атрибуты искусства». Характерным для живописи Шардена является совершенство и разнообразие приемов, используемых для передачи материала предметов в их неразрывной связи со световоздушной средой. Развивая принципы реалистического искусства, Шарден вместе с тонким колористическим видением натуры внес в натюрморт и ту особую одухотворенность, которая составляет отличительную особенность искусства этого мастера.
Но не всегда и не у всех художников задача раскрытия социального содержания жизни посредством «говорящих вещей» была главной в создании произведения. Менялись вкусы, эстетические представления, менялось и отношение к окружающей действительности. Художники стали подмечать в окружающей жизни иные качества материального мира. Важной проблемой становится среда, в которой находится предмет, передача света, воздуха, образа природы.
Начиная с середины XIX в. Сильное влияние на судьбы искусства стал оказывать импрессионизм. Старым академическим традициям, которые к этому времени выродились в крайне условные формы салонного искусства, импрессионисты противопоставили свое понимание живописи. К. Моне, А.Сислей и другие художники обратились в своем творчестве непосредственно к работе над природными мотивами, ставили и решали проблему создания живописного изображения спектрально чистым красками. Их главной заботой было воспроизведение на картине быстро меняющегося состояния природы; сам же предмет изображения с его объективными свойствами утратил былое значение, как бы растворился в световоздушной среде.
Живописная система импрессионизма, получившая наиболее полное развитие в пейзаже, неизбежно затрагивала и область натюрморта. И здесь художники, увлеченные идеей цвета и света, стремились передать не сами свойства предмета, а мимолетную игру световых и цветовых пятен на его поверхности. Этим объясняется резкое снижение интереса к содержательной стороне искусства, к объективной оценке действительности.
Надо отметить безусловно положительную роль, которую сыграл импрессионизм в искусстве. За счет обогащения цветовой палитры художники значительно расширили свои живописные возможности, активно используя в создании художественного произведения цвет, его изобразительные и психологические свойства.
Однако развитие жанра натюрморта следует видеть не в русле общего движения импрессионизма, а скорее на пути преодоления его узких мест, связанных, в частности, с разрушением объемной формы. Известной реакцией на разрушение формы импрессионистами явилось искусство П.Сезанна, много работавшего как в области пейзажа, так и в области натюрморта.
Испытав в начале пути сильное влияние импрессионистов, Сезанн пришел к логическому отрицанию их метода. В создаваемых им многочисленных натюрмортах зрелого периода, он стремился найти пути и средства передачи объективных свойств предмета – объема, материала, цветовой устойчивости в его характеристике.
Для решения поставленных задач художник использует в основном выразительные возможности цвета, главным образом закон цветовых контрастов.
П. Сезанн:
«Не существует линий, не существует светотени, существуют лишь контрасты красок. Лепка предметов вытекает из верного соотношения тонов».
Метод Сезанна основан на точном определении планов. Составляющих конструкцию объема, где каждый цвет-мазок должен выражать изгиб, поворот формы в соответствии с количеством полученных световых лучей. В таком аналитическом подходе к изображению натуры состоит главная положительная особенность живописи художника. Несмотря на его рационализм в создании живописной формы, стремление к передаче пластики объема предмета, его материальной сущности остается главным мотивом в работе над натюрмортом. В лучших своих произведениях мастер обнаруживает глубокое понимание задач реалистического искусства, достигая вершин живописного мастерства.
Другую ветвь французского натюрморта, резко расходившуюся как с методом импрессионистов, так и с творческими устремлениями Сезанна представляет искусство А. Матисса. Основу его составляет декоративно-плоскостное видение художника. Натюрморт воспринимается им как система плоских цветовых пятен, где предметы как бы проецируясь на плоскость, обозначаются четко очерченными силуэтами. Если Сезанн использует цвет в целях построения объема на плоскости, то Матисс, напротив, решительно отказывается от изображения объема. Разрушение объема сопровождается нарочитой деформацией рисунка. Живописные интересы Матисса не шли дальше нарядно оформленной композиции.
В конце XIX вначале XX в. художественная культура Западной Европы, а вслед за ней и России сделала резкий крен в сторону субъективных поисков в области формальных средств живописи. Крайним выражением этих устремлений был такие направления как кубизм, фовизм, супрематизм.
К жанру натюрморта обращаются художники самых разных стилистических направлений. Они экспериментируют с формой, цветом и пространством, увлекаются поиском разнообразной фактуры. Натюрморт выполняется и в строгой реалистической манере, и в декоративной, и в манере кубизма.
Изображение прекрасного мира вещей увлекало многих художников. В русском искусстве П. Кончаловский, И. Машков, Р. Фальк, К. Петров – Водкин, Ю. Пименов и другие создали великолепные натюрморты, раскрывающие не только красоту вещей, но вместе с тем и мир человека, его мысли и чувства. Каждый художник нашел для решения этой сложной задачи свои выразительные средства. Порой человек незримо присутствует на картине, и, кажется, что он только что вышел и может вернуться в любой момент.
Например, на картине Ю. Пименова «Ожидание» (1959г.) изображен одиноко стоящий телефонный аппарат со снятой трубкой, а капли дождя на оконном стекле подчеркивают тоскливость ожидания.
В ином типе натюрморта вещи говорят, прежде всего о себе, предлагают полюбоваться красотой их форм, цвета, фактуры. Например, полотно И. Машкова «Снедь московская. Хлебы» словно передает аромат свежеиспеченного хлеба. Мир вещей в натюрморте всегда выражает внешние приметы жизни определенной исторической эпохи.
В сложном процессе поисков «нового» плодотворным было то, что наряду с бесплодным экспериментаторством в сферу поисков новых средств живописи вовлекались здоровые творческие силы. Наиболее творческие, талантливые из них, отдав дань формальным экспериментам, становились на твердую почву реализма и создавали яркие по содержанию и форме художественные произведения. На этой почве выросло, развилось замечательное искусство натюрморта в России, лучшими представителями которого были К. Коровин, И. Грабарь, а также художники, упомянутые выше.
Имена К. Коровина, И. Грабаря часто упоминаются, когда говорят о русской ветви французского импрессионизма. Живопись Коровина во всем ее объеме- пейзаж, портрет, натюрморт несет в себе живое, непосредственное чувство общения с натурой. Цвет в его работах чрезвычайно подвижный, живо передает состояние натуры. Налицо все черты пленэровской живописи с ее изменчивым, сложным переливом тончайших полутонов. Однако в его искусстве есть нечто, что позволяет говорить об углублении реалистической линии в русской живописи. Об этом свидетельствуют его работы: «Розы и фиалки», «Гвоздики и фиалки в белой вазе».
Вдохновляющим началом творчества Коровина всегда оставалась натура во всем богатстве ее проявлений. Темами его натюрмортов служат природные формы: цветы, фрукты, овощи, рыба, все, что несет в себе живое дыхание жизни. Он пишет их в различной обстановке и каждый раз обнаруживает удивительно цельное, оптимистическое восприятие мира. Ему свойствен редкий дар извлекать из палитры такие сочетания цветовых оттенков, которыми он мастерски передает красоту и нежность хрупких цветов, сложные состояния освещения. При этом показываемые им предметы не утрачивают своей материальной конкретности: рисунка, контура, объема.
Развивая по существу принципы пленэрной живописи, предложенные импрессионистами, Коровин оставался вполне самостоятельным в оценке природной формы: движение цвета в среде строило изображение предмета.
Отметим и другую важную черту искусства Коровина – его стремление к картинному видению. Натюрмортам этого мастера присуща строгость, продуманность композиции. Всегда в натюрморте имеется центр композиции, через который мы воспринимаем все богатство живописной среды.
Такое же стремление преодолеть ограниченность метода импрессионистов характерно для работ И. Грабаря. В своих лучших, созданных в 1905 – 1907г., он развивает идею материальности предметного мира. К числу этих работ принадлежат «Хризантемы», «неприбранный стол».
Значительная роль в расширении возможностей натюрморта принадлежит художникам, входившим в объединение «Бубновый валет»- И. Машкову, П. Кончаловскому, А. Лентулову, А. Куприну. Пройдя сложный путь поисков в области живописной формы, они пришли в советское искусство сложившимися мастерами. Их творческие устремления были направлены на то, чтобы активно участвовать в строительстве новой жизни. Революция открыла перед ними широкие возможности, дала живой, идейный материал для воплощения в искусстве. Ряд натюрмортов, написанных в этот период, свидетельствуют о формировании нового содержания в натюрмортах. Тема строительства социализма прочно входит в искусство. Так, в натюрморте «Селедка», написанного Петровым – Водкиным в 1919г., наметилась главная линия творчества художника: правдиво, без прикрас, рассказать о событиях современной жизни суровым языком правды(прил.рис.1.3).
В том же 1919г. И. Машков пишет «Натюрморт с самоваром»- своеобразный образ-представление, навеянный революционными преобразованиями в стране. Художник стремится найти эстетическую ценность в предметах индустриального общества.
Проходит время, положение в стране стабилизируется. Люди охвачены трудовым порывом, оптимизмом. Переживают подъем и художники. И.Машков пишет в это время свои лучшие натюрморты: «Снедь московская. Хлебы», «Снедь московская. Мясо, дичь» и другие, в которых стремится выразить все привлекательные стороны продуктов, по которым истосковались люди.
В натюрмортах 20-30г. Проявились лучшие черты таланта Машкова: реализм изобразительного языка, полнота выражения темы, чуткость наблюдения современной жизни.
Таким же цельным, заинтересованным отношением к миру окружающей действительности отмечено творчество П. Кончаловского. В довольно большом наследии встречаются натюрморты небольших размеров, «Зеленая рюмка», и большие монументальные полотна, «Натюрморт с окном» (прил.рис.1.4).
В творчестве советских художников старшего поколения натюрморт обрел черты самостоятельного жанра, который и по содержанию, и по художественной форме занял равноправное со всеми другими жанрами положение в искусстве. Натюрморт стал вровень с сюжетной картиной, где поднимались темы большого идейного содержания.
В последующем развитии натюрморт значительно пополнился новыми темами, интересными стилевыми особенностями. В нем находят отражение характерные черты современной жизни, достижения науки и техники. Стремление полнее выразить тему заставляет художников создавать циклы живописных работ, например, Ю. Пименов - серии полотен «Вещи каждого дня», «Вещи людей», «Старые и новые вещи».
В последние десятилетия в жанре натюрморта начинают работать многие молодые художники. Всероссийская выставка «Натюрморт» 1975г. Показала не только массовость жанра, но и широкий охват тем. Не порывая связи с современной действительностью, художники обращаются к опыту истории искусства, внимательно изучают смежные жанры. Другим источником является изучение произведений народного творчества, изучение опыта предшествующих поколений.
В течение долгого времени развивался натюрморт как жанр изобразительного искусства. Не всегда он сопутствовал общему ходу развития изоискусства. Натюрморт переживал подъемы, а иногда совсем сходил со сцены. К настоящему времени у натюрморта как вида изоискусства сформировались свои характерные черты и особенности.Акварель в наше время является самостоятельной и разработанной техникой. А до XVII века акварель не имела самостоятельного значения, а играла лишь вспомогательную, служебную роль в искусстве. Но, начиная с XVII века, она уже становится самостоятельным родом живописи в Англии. В начале же XIX века акварель как самостоятельное искусство появляется и в других странах Западной Европы. В России около 1880 г. было основано специальное «Общество художников-акварелистов».
Чистой акварелью можно считать лишь ту, в которой использованы все ресурсы этой техники, а именно: прозрачность красок, просвечивающий белый тон бумаги, легкость и вместе с тем сила и яркость красок. В чистой акварели совершенно не допускаются белила, роль которых здесь выполняет сама бумага. Работа акварелью требует внимания к деталям, терпения, набора определённых навыков и знаний, без которых невозможна полноценная акварельная живопись, да, собственно и творческая деятельность в целом.
Специфика живописной техники в отличие от других видов изобразительной, например графической, техники заключается в ее способности передавать цветовой облик, т. е. колорит, видимого предмета или явления. Сравнивая технику акварели с другими техниками живописи, как темпера, гуашь, масло, прежде всего, следует отметить основные ее свойства: это прозрачность и легкость, одновременно чистота и интенсивность красок. В акварели пользуются как методом лессировок, так и методом алла - прима. Метод лессировок (от нем. lasserung — наносить тонкий, прозрачный слой краски) как метод многослойной живописи широко применялся в практике акварелистов XIX и начала XX века. Ими созданы замечательные произведения, покоряющие нас легкостью, воздушностью, общей тональной цельностью и цветовой гармонией. Этим методом с большей или меньшей последовательностью пользуются и теперь. Все прежние руководства по акварели, как правило, базируются на этом методе (У. Тернер в Англии, В. А. Лепикаш в России). Акварельная техника больше всего выделяется своими лессировочными возможностями. Привлекательность акварельных изображений в большей мере зависит от красоты ярких, свежих, прозрачных лессировочных красок. Они придают акварельным работам особую полнозвучность цвета, легкость и нежность красочной ткани, лучезарность колорита. Лессировка — классический прием живописной техники, на котором построено колористическое богатство многих шедевров живописи. Лессировка — это техника обобщающего колорита, насыщенных цветов, глубоких теней, наполненных красочными рефлексами, техника мягких воздушных планов и бесконечных далей. Лессировочная техника основана на прозрачности красок, благодаря которой возможно глубокое просвечивание их. Это качество красок дает наибольшую интенсивность цвета. При сопоставлении корпусных и лессировочных красок одного и того же цвета можно заметить, что интенсивность цвета всегда выше у лессировочных. Там, где стоит задача добиться интенсивности цвета, как-то: в изображении золота, бархата, шелка, прозрачных плодов, насыщенных по краскам живых цветов, лессировка стоит на первом месте. Лессировка скрывает фактуру бумаги, фактуру красок или фактурность штрихов полусухой кисти по зернистой бумаге. Акварелисты убеждаются в этом каждый раз, когда они наблюдают краску в сыром и сухом состоянии. Метод а-ля-прима — живопись по сырому, написанная в один сеанс. Эта техника означает писать сразу, без последующих капитальных изменений. По этому методу каждая деталь начинается и заканчивается в один прием, затем художник, имея в виду общее, переходит к следующей детали и так далееМетод а-ля-прима, поскольку он не предполагает многократных прописок, позволяет сохранить, при наличии опыта, максимальную свежесть и сочность красочных звучаний, большую непосредственность и остроту выражения. В быстром по исполнению наброске с натуры, в эскизах этот метод незаменим. Желающий овладеть техникой акварели должен приобрести навыки и в той и в другой манере письма, раздельно или сочетая их вместе. Наиболее целесообразную и простую конструкцию представляет собой обыкновенный подрамник, состоящий из липовой обвязки с фанерной филенкой, на которую бумага натягивается в сыром виде и укрепляется при помощи кнопок. Липовая обвязка дает возможность легко вкалывать и извлекать кнопки. Приготовленный подрамник внешне напоминает натянутый холст для масляной живописи. Подрамник такой конструкции лучше всего отвечает техническим условиям акварельной живописи. Он прочен, легок, не коробится, хорошо держит и оберегает бумагу. Пригоден и для письма по сырому, когда под бумагу подкладывается мокрая тряпка или лист пропускной бумаги, которые питают бумагу влагой по мере подсыхания с внешней стороны. Связанные лицом к лицу подрамники, сами уже представляют собой хороший этюдник; чехлом может служить клеенка, под которую можно положить краски, кисти и вспомогательную бумагу. В акварельной технике очень часто применяется раздельная одноцветная моделировка с последующим нанесением собственных цветов. Нанесение собственных цветов является в этом случае второй ступенью моделировки; изображение освобождается при этом от черного цвета туши. Такой прием дает возможность более свежо, красочно и живо передать образ и вместе с тем создает некоторое облегчение в работе тем, что светотеневая моделировка отделяется от цветовой.
Кисти
Желательно иметь в запасе несколько типов кистей. Таких как: белка, колонок, синтетика (рис. 2.1).
Номера кистей каждый определяет для себя сам, помня, что придётся решать различные задачи, начиная от моделировки мелкого рельефа, рисунка, орнамента и заканчивая широкими заливками драпировок, обобщений.
Бумага
Бумагу рекомендуется брать средне или крупнозернистую (определяется фактурой исходя из названия) плотностью 200-300 г/м2 (торшон, скорлупа). Чем выше плотность бумаги, тем меньше она будет коробиться и расширяться от воздействия воды (рис. 2.2).
Планшет рекомендуется не более формата А-2.
Тряпка для отжима кистей.
Емкость для воды.
Изолирующая жидкость или резиновый клей, используются для сохранения белых или светлых мест. Наносятся на сберегаемые места бумаги, по выполнении своего назначения удаляются посредством ластика. Применяются редко, в случае трудностей при прописке и затруднении в естественном сохранении белизны бумаги.
Палитра - белая. Можно использовать лист бумаги, кафельную плитку (рис. 2.3).
Собственно акварель.
«Белые ночи», «Невская палитра», «Нева» (рис. 2.4).
Место для работы акварелью должно быть заранее подготовлено. Планшет с наклеенной бумагой размещают на мольберте под углом 20-30 градусов, при более крутом наклоне вода с краской будет плохо удерживаться на поверхности бумаги.
Посуду для воды, краски, кисти надо поместить справа от планшета, тряпочку для вытирания кисти – слева.На начальном этапе работы была определена ее тема и содержание, техника выполнения, материалы и средства.
Одновременно с практической работой отбирался и систематизировался теоретический материал. Были рассмотрены различные источники: статьи, книги, журналы. Мною был проведен анализ найденной литературы, отобран нужный материал.
На последующих этапах работы теоретический материал корректировался и систематизировался.
При выборе содержания творческой работы было разработано и составлено несколько эскизов, выбраны наиболее удачные, отражающие суть работ.
Для составления эскизов мною использовались натурный материал, собранный в ходе пленэрной практики, этюды, зарисовки, копии произведений художников, этюды с учебных постановок.Этап эскизирования.
Эскизирование является первым шагом в работе над натюрмортом. В процессе выполнения эскиза учащийся переносит на бумагу первые впечатления от постановки, определяется с пропорциями, композицией, колоритом, тональными отношениями, цветовыми нюансами. Рекомендуемый формат выполняемого этюда А-5. Работа ведётся в полную силу в цвете, стараясь сразу передать верные отношения. Второй эскиз выполняется так же на формате А-5. В нем появляются незначительные изменения, возможно по пропорциям компоновки, возможно в колорите (теплее или холоднее, контрастнее). Идет попытка глубже вникнуть в то, каким способом лучше, выгоднее с точки зрения восприятия решить поставленную задачу. Таким образом, идет поиск наиболее удачной композиции. Изначально эскиз компонуется при помощи карандаша, затем работа ведётся в цвете. Однако если возникают трудности в том, чтобы сразу в цвете решить и тон и цвет, то делается эскиз карандашом с тональной проработкой, в котором решается пространство листа, определяются массы света и тени, выясняются отношения, зависимости предметов натюрморта. После чего переходят к акварельному эскизу.
По окончании работы над эскизами переходим к выбору наиболее удачного.

Подготовительный рисунок (рис. 3.1).
Определившись с эскизом, делаем с него подготовительный рисунок в формат не более чем А-2. Рисунок для акварели лучше делать отдельно и затем переводить на бумагу: этим достигается сохранение поверхностного слоя бумаги во всей его целости, поскольку многократное использование ластика нарушает структуру бумаги. Засаленная бумага затрудняет нанесение красок, и для преодоления этого затруднения приходится прибегать к содействию особых препаратов - бычьей желчи и другим средствам.
Рисунок выполняется линейно-конструктивный без тональной проработки. В нем намечаются все основные элементы, предметы, которые могут понадобиться в живописи: общая форма каждого предмета, драпировки, блики на объектах, возможно линии на границах перелома света и тени и др.
Завершив рисунок, переводим его на акварельную бумагу. Предварительно подготовленную под акварель бумагу обрезаем в размер рисунка, оставив запас по периметру 3-4 см. При помощи малярного скотча прикрепляем подготовительный рисунок к изнаночной стороне акварельной бумаги, для того, чтобы после перевести рисунок на акварельную бумагу. При использовании мягкого карандаша для перевода рисунка возникают смазанности, затёртости при взаимодействии руки и нанесённого графита, поэтому желательно использовать карандаш твёрдости «Н», так как при большей твердости рисунок вдавливается в бумагу, что так же нежелательно.
Переведённый рисунок натягиваем на планшет.
Первый этап (рис. 3.2).
Для того чтобы приступить к работе акварелью необходимо ознакомиться с некоторыми особенностями восприятия.
Чтобы передать окраску предметов, надо учитывать не только тональные отношения, но и цветовую характеристику изображаемых предметов и зависимость её от окружаемых условий. Собственный (локальный) цвет предмета, его форма неизгладимо запечатлеваются в сознании и становятся прочными качествами образа предмета в нашей памяти. Восприятие основного цвета предмета, например белой бумаги, независимо от того, что условия освещения её будут различными, останется как бы без изменения. Так, например, днём в тени когда белая бумага освещена голубым небом, она приобретает голубой оттенок, в лесу от деревьев - зелёный, от настольной лампы- желтоватый цвет, от света костра - красноватый и т.д. И даже зная, что цвет предмета, в зависимости от его освещённости или от того, что он удалён в момент наблюдения, выглядит различно, представление о действительной окраске предмета, закреплённое в нашей памяти, включаются в процесс восприятия, осложняет его, в результате чего у недостаточно опытного рисовальщика окраска предмета воспринимается как бы без изменений. Исходя из вышесказанного, понимаем, что определённый источник света оказывает большое влияние на освещенную поверхность предметов. Лучи дневного солнечного света, освещая предмет, придают его окраске белесоватость, высветляют цвет. Если же источник света- голубое небо, то освещенная этим небом поверхность предметов будет иметь холодный оттенок.
Итак, пользуясь полученными знаниями, применяем на практике. Учитывая характеристику источника света, подбираем красками оттенок и делаем предварительную прокладку по всему листу бумаги, моделируя ту среду, в которой расположен натюрморт. То есть покрываем весь лист слабым раствором того оттенка, который нам задаёт источник света, включая блики. И тут же, пока бумага ещё влажная, наносим тени. Тени, подобно тому, как мы распределили первую прокладку света по всему листу, обозначаются общим раствором акварели для всех предметов. Ведь цветовому характеру света, падающего на предмет, противоположен цветовой тон тени этого предмета. Если предмет освещён холодным светом, то, как контраст ему, тени этого предмета будут казаться тёплыми, и наоборот. Таким образом, на первом этапе мы закладываем светотеневые и объёмно-пространственные основы для последующей работы.

Основные цветовые отношения (рис. 3.3).
Второй этап сводится к тому, чтобы, работая в пол силы, передать цветовые и тональные отношения в трактовке формы предметов. Начинаем работу с наиболее ярких, контрастных предметов, имеющих ясно выраженную окраску, так как в определении их цвета легче избежать ошибок. В свою очередь, определённые цветовые тона ярких предметов на изображении будут играть роль своеобразных камертонов. По сравнению с ними можно вернее установить тональные цветовые отношения других цветовых тонов. Начиная с прокладки менее цветных и светлых тонов постановки, можно допустить ошибки, изображая предметы более цветными. Это затруднит нахождение верных цветовых отношений, так как может не оказаться достаточного цветового тона акварели для изображения более ярких предметов. Кроме того, можно ошибочно перетемнить акварель, и тогда она потеряет свою прозрачную и воздушную прелесть.
Следует так же запомнить, что светлые, слабоокрашенные тона вообще труднее определить. Они могут казаться то холодного, то теплого тона, в зависимости от того, на какой цвет до этого смотрел рисующий. Цветовые тона слабоокрашенных предметов следует определять путём сравнения их между собой.
На этом этапе можно для удобства письма покрыть блики и светлые места нуждающиеся в сохранении белизны изолирующей жидкостью.
В работе акварелью будем использовать несколько приёмов. Первый приём лессировка. Лессировка-приём наслоения прозрачных красок, по высохшему слою. Для сохранения чистоты цвета следует чаще промывать кисти в чистой воде и избегать смешения больше двух красок. Другой приём работы акварелью- «по- сырому». Заключается он в том, что одни тона красок накладываются на другие по непросохшему слою краски или на бумагу, заранее смоченную водой. Этим приёмом пользуются в основном в том случае, когда надо получить мягкие переходы тонов (небо, виднеющийся вдали лес, предметы дальнего плана). Этим приёмом мы воспользовались на первом этапе живописью акварелью. Ещё один нюанс касательно теней. Необходимо усвоить, что тени предметов цветные. Другими словами, это цветовые тона, которые зависят от цвета и характера поверхности самого предмета, от цвета соседних предметов, рефлексирующих поверхностей и в значительной степени от характера освещения. В живописи тень не только противоположна свету, то есть она тёмная, но она и противоположна свету и по цветовой характеристике.

Проработка деталей (рис. 3.4).
Третий этап работы над натюрмортом является наиболее продолжительным. На этом этапе уточняются основные тональные и цветовые отношения, выявляется форма предметов. Серьёзное внимание в работе следует уделить установлению взаимного влияния цвета предметов друг на друга в зависимости от освещения. Нужно подвергнуть глубокому анализу цвет рефлексов и теней, которые в общем должны быть противоположны свету. Необходимо следить за цветностью теней, так как в этом, по существу, ключ решения живописных задач. В ходе работы должен проводиться принцип от общего к деталям и от деталей к целому. Весь натюрморт постепенно приобретает свой натуральный цвет и рельефность. На этом этапе важно чаще сравнивать тональные отношения изображения с тональными отношениями натуры в целом. При работе следует продумывать последовательность наложения цветовых тонов, а также совершенствовать технические приёмы, чтобы добиться хорошего результата в три-четыре прокладки и чтобы акварельный рисунок сохранил прозрачность, сочность и свежесть цвета. Сложный цвет достигается на рисунке путём наложения на светлый цвет более тёмного и соизмерения при этом количественных соотношений красок в каждой прокладке для получения различных оттенков.
Возвращаемся опять к общему. Проводим окончательный анализ цветовых и тональных отношений, на приведение всего рисунка к целостному единству, которое во многом зависит от передачи освещенности. На предметах переднего плана мазки, более цветные и определённые, подчеркивают конструктивные элементы; на дальнем плане все светотеневые отношения должны быть мягче, воздушнее.Мною, в качестве педагогического эксперимента, с целью исследования был проведен анализ работ учащихся 2 класса 5-летнего срока обучения по дополнительной предпрофессиональной общеобразовательной программе в области изобразительного искусства «Живопись». На протяжении учебного года ребята выполняли этюды натюрмортных постановок в технике акварели дома, на уроках в свободной манере и на контрольных уроках по описанной методике.

Проанализировав все получившиеся работы, можно сделать вывод, что общее качество работ улучшается к концу учебного года. Средний бал на контрольных уроках увеличивается от 4,3 до 5 баллов. Количество учащихся с оценкой «4» сокращается к концу года.
Самое низкое качество в процентах у этюдов, выполненных дома. Оно составляет 20% в начале года и 45% в конце. Это говорит о том, что домашняя работа выполнялась учащимися неохотно, без особого желания и с минимальными усилиями. В классе работа велась более эффективно: 45% на начало года и 75% на конец. Здесь учащимся давалась свобода при написании того или иного натюрморта, однако мною делались поправки при неправильном ведении работы и исправлялись грубые ошибки, совершаемые при работе акварелью. И самая продуктивная работа с хорошими результатами была сделана как раз-таки по методике: 65%, 85%, 90%. Можно сделать выводы, что ученикам было легче выполнять задание по предложенным этапам. Работа выполнялась систематически. Отсюда и лучшее качество этюдов. К концу года улучшаются работы, поскольку дети уже «втянулись» в процесс и поняли, что требуется при выполнении натюрмортов в технике акварели. Для большей эффективности, мною рекомендовано работать по данной методике не только в классе на уроках живописи, но и дома, с целью добиться еще лучших результатов.

ЗАКЛЮЧЕНИЕ
Проблема цвета всегда была и остаётся актуальной для живописца и дизайнера, ткача и архитектора - для всех, кто так или иначе использует цвет в своей профессиональной деятельности. Основы понимания цвета как художественного средства должны закладываться на школьной скамье, так же как и основы владения рисунком и живописью. Но, хотя наука о цвете для художников и существует, она практически недоступна учащимся, так как рассеяна по десяткам и сотням источников.
На примере данной работы я постаралась показать важность цветового решения в практической работе. Именно натюрморт, на мой взгляд, способен эмоционально воздействовать на зрителей локальными цветовыми пятнами, без излишних уточнений и конкретизации деталей. Я пришла к выводу, что искусство правильно использовать цвет и формы предметов, окружающих нас в натюрморте, может решать множество задач. Например: выделить главный элемент; связать все элементы воедино; уравновесить структуру или, наоборот, разрушить равновесие; разделить пространство на зоны или участки; указать направление движения; выявить собственный ритм структуры и многое другое. Кроме того, цвет может выступать в роли носителя информации, причём такой информации, которая воспринимается мгновенно, без всяких усилий и на большом расстоянии.
Всё это невозможно без исследования теоретических основ и практической возможности выполнения натюрморта в технике акварельной живописи. Исследование данной проблемы и отражено в работе. Цель - определить теоретические основы и практические возможности выполнения натюрморта в технике акварели – достигнута. Натюрморт, как жанр изобразительного искусства, и возможности акварельных техник живописи, способствующие созданию выразительного образа натюрморта, исследованы.
Предположение о том, что работа над натюрмортом акварелью может вестись успешно при условии, если соблюдаются все необходимые этапы, применяются художественно-технологические знания и умения, подтвердилось.
Мною было подтверждено, что условия подбора адекватных средств выразительности (в особенности – цвета), характерных для натюрморта, максимально отражают первоначальный замысел. Таким образом, был сделан вывод, что изучение техники выполнения натюрморта на сегодняшний день является важнейшим средством воздействия на личностное развитие подрастающего поколения, средством эстетического развития, обучения изобразительному искусству.

СПИСОК ИСПОЛЬЗОВАННОЙ ЛИТЕРАТУРЫ
1. Беда Г.В. Живопись: Учебник для студентов педагогических институтов.- М: Просвещение, 1986.- 192с, ил.
2. Пучков А.С., Триселев А.В. Методика работы над натюрмортом: Учебное пособие для студентов художественно- графических факультетов педагогических институтов.- М; Просвещение,1982 – 160 с.
3. Сокольникова Н.П. Изобразительное искусство методика его преподавания в начальной школе: Учебное пособие для студентов педагогических вузов.- М: Изд. центр «Академия», 1999.- 368 с.12 л.и.
4. Виффен Валерии: Как научиться рисовать натюрморт. Пособие по рисованию \ пер. с англ. И.Гиляровой.- М: Изд. ЭКСМО - Пресс, 2001-64с.ил.
5. Косминская В.Б., Халезова Н.Б. «Основы изобразительного искусства и методика руководства изобразительной деятельностью детей»: Учебное пособие для студентов пединститутов- М: Просвещение, 1987.-128с.
6. Казакова Т.Г. «Развивайте у дошкольников творчество» (конспекты занятий рисованием, лепкой, аппликацией). Пособие для воспитателей детского сада.- М: Просвещение 1985- 192с.
7. Методика обучения рисованию, лепке и аппликации в детском саду. Учебник для учащихся пед. училищ под редакцией док. пед. наук Н.П. Саккулиной. Изд. 5-е, испр. М: Просвещение 1971.-256с.
8. Методика обучения изобразительной деятельности конструированию: Учебное пособие для учащихся педучилищ \ Т.С. Комарова, В.А. Езикеева, Е.В. Лебедева \ Под редакцией Т.С. Комаровой- 2 изд. дораб.- М: Просвещение 1985.- 271с.
9. Мастерская юных художников. Развитие изобразительных способностей старших дошкольников – СП б: Детство- пресс, 2002.- 80с.
10. Учебно-методическая газета для учителей МХК, музыки и ИЗО «Искусство» изд. дом «Первое сентября» 2006.24с.
11. Пучков А.С., Триселев А.В. Методика работы над натюрмортом: Учебное пособие для студентов художественно- графических факультетов педагогических институтов.- М; Просвещение,1982 – 160 с
12. Алтапов М.В. «Всеобщая история искусств» Т.1-2. М.,1949

рис. 1.3, рис. 1.4
К.Петров-Водкин «Утренний натюрморт», П.Кончаловский «Натюрморт с подносом»




рис. 3.1 , рис. 3.2
линейный рисунок натюрморта, первая прокладка цветом
рис. 3.3 , рис. 3.4
цвето-тональные отношения, проработка деталей
рис. 4.1, рис. 4.2
учебные натурные постановки для выполнения учащимися натюрморта в технике акварели по методике

Работы учащихся поэтапно


рис. 4.3
линейный рисунок, прокладка фона



рис. 4.4, рис. 4.5
моделировка предметов,проработка деталей, завершение работы

Рекомендуем посмотреть:

Конспект НОД в средней группе. Нетрадиционная техника рисования Натюрморт с цветами гуашью поэтапно Как нарисовать орхидею поэтапно акварелью Натюрморт в технике масляной живописи

Похожие статьи:

Аппликация из бумаги для детей. Натюрморт